LIBRI - Interesse generale

RICCARDO ALLORTO - Nuova storia della musica

Edizione riveduta e aggiornata

Edizione riveduta e corretta, in 32 capitoli, con un lungo e approfondito viaggio attraverso la storia della musica, dalle origini, dalla musica delle civiltà mediterranee e dell' Oriente asiatico, fino al Novecento e ai giorni nostri.

Copertina flessibile, 506 pagine

JOHANN ERNST ALTENBURG - Tentativi di introduzione all'arte eroico-musicale dei trombettisti e timpanisti (1795)

"La cura nella traduzione, il rigore e, al contempo, lo sforzo riuscito di utilizzare un italiano facilmente comprensibile al lettore moderno rendono la lettura accattivante e di sicuro interesse per molti musicisti, anche non di strumenti a fiato. (Paolo Salomone, Il Giornale della Musica)

Tascabile, 178 pagine

VIRGILIO / PAOLO FABBRI (CURATELA) - Musica e Società 3. Dal 1830 al 2000

 

PETER BERNE - Belcanto • Prassi esecutiva dell’opera italiana da Rossini a Verdi

Molti parlano di ‘Belcanto’, ma pochissimi sanno cosa veramente il termine significhi. Belcanto è espressione che viene usata tecnicamente per indicare lo stile di canto dominante nel melodramma italiano della prima parte del XIX secolo. Tale espressione d’altronde vuol dire molto più che “cantare con bella voce”; esiste infatti per quest’epoca – come per l’opera barocca – una prassi esecutiva, la cui conoscenza è indispensabile per un’esecuzione stilisticamente corretta delle opere di Rossini, Bellini, Donizetti e del primo Verdi. 

In questo libro, la cui edizione originale in tedesco si è già affermata come un’opera di riferimento, la prassi esecutiva del Belcanto è per la prima volta riassunta, esposta in forma sistematica ed organica. Accanto ad un ricco apparato di citazioni da trattati d’epoca, si fa riferimento anche alla tradizione orale, trasmessa da Antonio Cotogni e Luigi Ricci. Il libro è concepito soprattutto per cantanti, direttori d’orchestra e correpetitori, ma si rivolge anche all’interesse di appassionati, anche per i numerosi ascolti (con le voci di Maria Callas e altri celebri cantanti) attivabili attraverso il sistema dei QR Code.

Copertina flessibile, 326 pagine

SIMONETTA CAMILETTI - Benessere psico-fisico del musicista durante la performance in pubblico

Il benessere psico-fisico del Musicista mentre si esibisce in pubblico è fondamentale per esprimere il proprio massimo potenziale durante la performance.
Il libro analizza le cause dell'eccessiva emotività prima e durante l'esecuzione, affronta in modo dettagliato le varie tipologie di problemi e suggerisce strategie di vario genere.
Il metodo proposto è strutturato in 3 step:
1. Alfabetizzazione emotiva: presa di coscienza delle proprie percezioni, identificandole in maniera chiara
2. Consapevolezza: comprensione scientifica dei motivi che hanno scatenato quelle reazioni
3. Strategie mirate da applicare prima e durante la performance per ottenere il massimo risultato.
I rimedi sono modulati sulla base del proprio canale percettivo preferenziale.
Il percorso propone un approccio olistico, che include vari tipi di respirazione, idratazione adeguata, alimentazione corretta, igiene del sonno, riprogrammazione degli schemi di pensiero, visualizzazione creativa, ecc., in modo da risolvere i problemi specifici di ogni persona, perché ciascuno di noi è unico e irripetibile!


Indice sommario

1. Un abbraccio per accoglierti
2. Istruzioni per l'uso di questo libro - 2.1. Mi presento
3. Metodo di lavoro
4. Domande - 4.1. Possibili soluzioni - 4.2. Canali di comunicazione
5. Le frequenze cerebrali - 5.1. Come gestire le frequenze cerebrali - 5.1.1. Auto-induzione - 5.1.2. Sillabe curative - 5.1.3. Evocazione
6. Respiro e performance - 6.1. La respirazione prima della performance - 6.2. La respirazione durante la performance - 6.3. Manutenzione del respiro
7. L'idratazione
8. L'alimentazione - 8.1. Consigli per una corretta alimentazione - 8.2. Esperienze personali - 8.3. Gli integratori - 8.4. Le spezie - 8.5. Equilibrio acido - base
9. Emotività e intestino - 9.1. L'evacuazione - 9.2. Massaggio dell'intestino - 9.3. La colite nervosa
10. Il sonno - 10.1. I cronotipi - 10.2. Il ruolo del sonno nella performance - 10.3. Strategie per migliorare il tuo sonno - 10.3.1. Regola del 3-2-1 - 10.3.2. L'ambiente - 10.3.3. Preparazione alla performance - 10.3.3.1. Bevande eccitanti - 10.3.3.2. Power Naps
11. Importanza del movimento
12. Grounding e rilassamento immediato
13. Il maschile e il femminile - 13.1. Esercizi di riequilibrio mente-corpo
14. Il rapporto con te stesso
15. Riconoscersi musicista - 15.1. Atteggiamenti tipici del musicista
16. Importanza del corpo - 16.1. La kundalini
17. La cultura del pavimento
18. Prevenzione delle malattie respiratorie - 18.1. Altri consigli per la prevenzione delle malattie respiratorie
19. Sessanta minuti di te
20. Movimenti da fermi prima della performance
21. Il potere della gratitudine
22. L'intelligenza del tuo corpo
23. Dispendio energetico
24. Il dolore
25. Il rescue remedy - fiori di Bach
26. L'emisoma destro e sinistro
27. Alcuni test per te - 27.1. Il metodo Tabata - 27.2. Il muscolo piriforme - 27.3. Psoas - Muscolo dell'anima - 27.4. La Fit ball: importanza e utilizzo
28. Le dita delle mani
29. La porta del cielo
30. Il saluto al sole
31. Respirazione quadrata e masticazione bilaterale
32. I muscoli facciali
33. Esercizi per gli occhi
34. Esercizi neurodinamici
35. Mani fredde
36. I tre Dantian - 36.1. Come attivare l'energia dei 3 Dantian
37. La tua immagine - 37.1. Esercizio dello specchio
38. Tecniche di protezione
39. Il tuo nome
40. Importanza della postura
41. Un'estrema tendenza a giudicarti
42. L'ho'oponopono
43. La visualizzazione creativa - 43.1. Tecniche di visualizzazione - 43.2. Il tempo presente - 43.3. Affermazioni su base 5 - 43.4. Fallimento e opportunità
44. Esercizi per schermarsi
45. Rafforzare le dita
46. Importanza dei polsi
47. Attivare il metabolismo
48. I meridiani della MTC (Medicina Tradizionale Cinese)
49. Relazione tra organi e sentimenti - 49.1. Trasforma le tue emozioni - 49.2. I sei esercizi shiatzu
50. I chakra
51. I chakra minori
52. Il servizio
53. Dietro le quinte
54. Emotività e razionalità
55. Le caratteristiche del concertista
56. Il femminile
57. L'eleganza del cigno
58. Importanza della spiritualità
59. I farmaci psichiatrici
60. Atteggiamenti corretti per realizzare ottime performance
61. Autodeterminazione - L'io sono
62. Hetu
63. Il freddo: importanza e utilizzo
64. Il ruolo del pH durante la performance - 64.1. Riequilibrare il proprio pH
65. A proposito del LA3 a 432 Hz
66. Consigli per la pace interiore e la bellezza esteriore
67. La potenza liberatoria del perdono
68. L'amore che cura
69. Ti racconto un po' di me
70. Conclusioni
71. Appendice A
72. Appendice B
73. Ringraziamenti

GIUSY CARUSO - La ricerca artistica musicale • Linguaggi e metodi

In questi anni la ricerca artistica musicale si sta affermando come approccio autonomo rispetto a quello musicologico e a quello della teoria e analisi musicale tradizionale. È anche un momento importante per istituzionalizzare la nuova ricerca negli ambienti accademici e in particolare nei Conservatori in Italia. Il presente volume è un prezioso documento di questo momento di passaggio e indubbiamente un testo acuto che analizza da più punti di vista la problematica centrale della ricerca artistica, in ogni tempo, questione che è tornata ad essere ancor più rilevante nell’ultimo ventennio. La complessa e delicata materia è trattata con sapienza e partecipazione da Giusy Caruso, che del resto conosciamo come attenta studiosa e raffinata pianista, avvezza ad affrontare tematiche e repertori che emergono nella cultura del presente.
Il volume è suddiviso in tre parti che affrontano le seguenti tematiche: il rapporto tra arte e ricerca, il rapporto tra arte, scienza e tecnologia, il rapporto tra approccio soggettivo e approccio oggettivo dei metodi d’indagine, e di conseguenza la problematica della validità dei risultati artistici. La prima parte – Sulla ricerca artistica – contiene i fondamentali capitoli sul contesto storico-sociale, sulla metodologia, e quindi sui linguaggi e sui metodi d’indagine. La seconda parte – La ricerca artistica musicale – aggiunge alla riflessione sui linguaggi e i metodi anche quella sugli obiettivi, in particolare nel settore degli studi musicali. La terza parte – Un percorso di ricerca artistica sulla performance di una composizione musicale – riguarda l’esperienza concreta di ricerca artistica di Giusy Caruso sui 72 Studi Carnatici per pianoforte del compositore francese Jacques Charpentier (1933‒2017). Il capitolo conclusivo – come scrive la stessa Autrice – è un momento di riflessione finale, in cui vengono ripresi, riassunti e discussi gli attuali orientamenti, lasciando aperto il discorso a prospettive future.

Renzo Cresti

Copertina flessibile, 315 pagine

ALFREDO CASELLA - Il Pianoforte

DE PRISCO - Armonia • Lineamenti compositivi, storici e musicologici dalle origini a oggi

MILA DE SANTIS / MONICA BENVENUTI - La lingua delle cose mute. Musica e parole nel Novecento

DONATELLA DEL MONACO / (ELENA FILINI CUR.) - Marcello Del Monaco, il Maestro dei Tenori + 2 CD

Tutti conoscono il grande tenore Mario Del Monaco, ma forse non tutti sanno che il fratello Marcello è stato un importante insegnante di perfezionamento vocale mediante un’innovativa tecnica di impostazione.

A trent’anni dalla morte del maestro Marcello, il volume ricostruisce memorie inedite della famiglia Del Monaco ed è insieme il primo tentativo compiuto di riflessione su un’impostazione vocale, la cosiddetta tecnica Melocchi-Del Monaco, intorno alla quale oggi ferve un ampio dibattito.

Attraverso i colloqui inediti di Mario e Marcello Del Monaco, la ricostruzione storica di Antonio Marcenò e un saggio a cura di Franco Fussi, vengono messe a fuoco le diverse caratteristiche della voce di tenore.

Con 2CD. Copertina flessibile, 237 pagine

PAOLO FABBRI / MARIA CHIARA BERTIERI (CURATELA) - Musica e Società 1. Dall'Alto Medioevo al 1640

PAOLO FABBRI / ALESSANDRO ROCCATAGLIATI / PAOLO RUSSO (CUR.) - Musica e Società 2. Dal 1640 al 1830

 

FRANCESCO GEMINIANI (ENRICO CARERI CUR.) - The Art of Playing on the Violin. Il manoscritto di Lucca

Il manoscritto qui riprodotto in facsimile è una redazione parzialmente incompleta del trattato più noto e importante di Francesco Geminiani (1687–1762), The Art of Playing on the Violin (1751), e di alcune parti di A Treatise of Good Taste in the Art of Musick (1749). Rimasto per due secoli e mezzo in mani private è stato acquistato nel 2007 dal Centro Studi Luigi Boccherini di Lucca, dove tuttora è conservato. Ritenuto inizialmente un autografo, è stato poi oggetto di nuovi studi che hanno evidenziato alcune incongruenze che in un primo momento hanno portato a credere si trattasse piuttosto di una libera trascrizione realizzata forse da un allievo di Geminiani per proprio uso personale oppure di una copia più tarda.

ANDREA GHERZI - La sonata per pianoforte nel 1700 e 1800 (Nuova Edizione)

Il libro traccia una storia della sonata per pianoforte, prendendo in considerazione le composizioni dei più significativi autori nei secoli XVIII e XIX. Segue l’evoluzione di questo genere musicale ed esamina come la struttura venga di volta in volta riformulata dallo stile di ogni creatore, anche in relazione al tipo di tastiera e al pubblico cui si rivolgeva.
Il testo è indirizzato a tutti gli appassionati di musica pianistica, anche agli ascoltatori senza preparazione specifica, per i quali può costituire un utile strumento di consultazione; per la vasta schiera degli esecutori, dagli studenti di Conservatorio (o Università) ai concertisti, questo libro presenta ulteriori motivi di interesse. L’impostazione offre entrambi i caratteri: come guida, commenta per ogni compositore le creazioni più significative in campo sonatistico; come saggio storiografico, delinea una parabola della sonata dai primi esempi intesi in senso moderno fino alle soglie del Novecento, tratteggiando i personaggi di spicco, le figure mitiche, ma anche varie personalità “minori” alle quali di norma non si presta attenzione, epigoni che hanno contribuito in maniera decisiva all’emozionante storia di questo genere musicale.

 

INDICE SOMMARIO

Prefazione

Sonata e forma-sonata

- Haydn
- Mozart
- Clementi
- Beethoven
- Schubert il viandante
- Weber e il Biedermeier
- Triadi romantiche
- Le culture periferiche

Bibliografia essenziale

Indice dei nomi

CHRISTOPHER HOGWOOD - La sonata a tre

In questo volumetto, una delle ben note BBC Music Guide, Christopher Hogwood compie una panoramica sulla storia e lo sviluppo della sonata a tre a partire dal primo periodo barocco ed evidenzia i contributi ad essa dati da grandi maestri quali Corelli, Vivaldi e Purcell; l'autore ne analizza quindi la fortuna dopo il periodo bachiano ed haendeliano fino al suo declino alle soglie del classicismo. Christopher Hogwood, esecutore, direttore, revisore e musicologo, fondatore tra l'altro, nel 1973, della prestigiosa Academy of Ancient Music, ha sempre ritenuto fondamentale la connessione tra i mondi della musicologia e della pratica esecutiva. Fin dall'inizio della sua ormai più che quarantennale carriera egli ha voluto includere il proprio modo di intendere lo studio della musica antica in un progetto globale che va dalla ricerca delle fonti alla loro revisione critica, dall'approfondimento dei problemi di prassi esecutiva alla realizzazione concertistica o discografica del brano.

Copertina flessibile, 178 pagine

ISSERLIS - Consigli ai giovani musicisti o regole di vita musicale di Robert Schumann

Dopo il successo di Perché Beethoven lanciò lo stufato e Perché Ciajkovskij si nascose sotto il divano, Steven Isserlis riprende i Consigli ai giovani musicisti, o Regole di vita musicale, del suo compositore preferito, Robert Schumann, per traghettarne il messaggio dall'Ottocento ai giorni nostri. Scritti nel 1848 per accompagnare il celebre Album per la gioventù, sono un compendio di aforismi e consigli per i giovani che intraprendono lo studio musicale, e dispensano una saggezza ancora oggi preziosa. Isserlis li seleziona, riordina e commenta con le sue argute riflessioni, frutto della sua lunga esperienza di artista, protagonista delle principali stagioni concertistiche in tutto mondo. Il risultato è un manifesto per tutti i musicisti, studenti, docenti e appassionati di musica.Una lettura da consumare tutta d'un fiato o distillare a piccole dosi, come tante perle di quotidiana saggezza.Robert Schumann (Zwickau, 8 giugno 1810 - Bonn, 29 luglio 1856), compositore, pianista e critico musicale tedesco, è stato tra i più grandi maestri del Romanticismo.Steven Isserlis (Londra, 1958), coniuga brillantemente la sua attività di violoncellista solista e camerista, con quella di scrittore e divulgatore. I suoi libri, Perché Beethoven lanciò lo stufato e Perché Ciajkovskij si nascose sotto il divano, pubblicati in Italia da Edizioni Curci, sono best seller anche in Inghilterra e negli Stati Uniti. 

ANTONIO JUVARRA - La ‘maschera’ e l’‘affondo’. Storia e analisi di due tecniche vocali foniatriche

Uno dei luoghi comuni più diffusi nel mondo del canto vuole che la ‘maschera’ sia una tecnica vocale di amplificazione del suono tesa ad esaltare la componente acustica della brillantezza e della ‘proiezione’, e che sia stata inventata in Italia con la nascita stessa dell’opera. Un altro luogo comune vuole che l’‘affondo’ sia una tecnica vocale di tipo ‘turbo’ tesa ad esaltare la rotondità e la potenza del suono, e che sia stata inventata in Italia nella prima metà del Novecento.
Il primo di questi luoghi comuni è stato fatto proprio (e spacciato per fatto storico) da autorevoli studiosi e storici del canto, mentre il secondo è stato fatto proprio (e spacciato per fatto scientifico) da autorevoli esponenti di quella che oggi ha preso il nome di ‘foniatria artistica’ o ‘vocologia’.
La realtà, come dimostra questo libro sulla base di precisi riscontri storici e fisico-acustici, è molto diversa e tale da far emergere un quadro totalmente differente della natura, dello sviluppo e dei rapporti di queste due tecniche vocali con quella che è passata alla storia come la tecnica vocale per antonomasia, cioè la tecnica italiana del belcanto. Alla fine si scopre che questa è rimasta il vero fondamento tecnico-vocale dei più grandi cantanti di ogni epoca della storia del canto e che rispetto a questa la ‘maschera’ e l’‘affondo’ si rivelano per quello che in realtà sono: due deviazioni meccanicistiche di segno opposto.

LEONE MAGIERA - Ruggero Raimondi

Copertina flessibile, 105 pagine

ROMEO MELLONI - Del comporre canoni • Tecniche, analisi, esercizi

ANTONELLA NERI - Come canti? Scopri la tua voce

Dopo l’entusiasmo iniziale, c’è un momento nel corso dello studio del canto in cui bisogna fare i conti con uno strano disagio. Questo si manifesta in diverse forme: il rapporto con l’insegnante diventa difficile, ci si sente insoddisfatti, si cercano nuove strade. Compaiono paure e ansie particolari. Spesso le note acute diventano il chiodo fisso di tanti. Ma anche la respirazione, l’esecuzione di passaggi di agilità; oppure l’età, l’idea di essere troppo “vecchi” per poter studiare con profitto o tentare la carriera. L’esibizione in pubblico genera forti tensioni, in qualche caso vero e proprio panico. E così via. Questo succede anche ad artisti che poi si affermano e fanno del canto la loro professione.
Individuare – quale condizione di base – l’accettazione delle proprie caratteristiche vocali e adottare un atteggiamento mentale aperto basato sull’attenzione sistematica non valutativa, può ridare al cantante la serenità necessaria per esprimere al meglio le proprie qualità.
Per il principiante può essere l’indicazione di una strada da seguire, per lo studente in difficoltà può costituire un cambiamento di rotta nell’approccio al canto dal quale può trarre grandi vantaggi. Il libro è rivolto anche agli insegnanti con la modesta convinzione che l’“obiettivo consapevolezza” sia un dovere anche loro.
Nessun tipo di tecnica potrà essere completamente efficace senza una raggiunta libertà mentale.

Copertina flessibile, 116 pagine

PIERO RATTALINO - L'interpretazione pianistica - teoria, storia, preistoria

Piero Rattalino
L'interpretazione pianistica - Teoria, storia, preistoria

La storia dell’interpretazione non può che basarsi su documenti sonori, per l’ovvia ragione che compito dell’interprete è di trasformare in suono ciò che il compositore ha vergato sulla carta. Il primo esperimento di Thomas Alva Edison per “imprigionare” il suono e riprodurlo con mezzi meccanici risale al 18 luglio 1877, e il suo primo brevetto è del 19 febbraio 1878. Ma dovevano passare ancora molti anni prima che la Talking Machine, la Macchina Parlante di Edison fosse messa in grado di far percepire ad estasiati ascoltatori tutta la complessità sonora della musica colta. Perciò non disponiamo di una documentazione effettiva dell’arte degli interpreti che sia anteriore ai primi anni del Novecento: di Liszt, di Clara Schumann, di Anton Rubinstein, di Hans von Bülow, scomparsi poco prima del volger del secolo, non ci è restato alcun documento. E per i primi decenni del Novecento, del resto, la documentazione sonora che possediamo è assai lacunosa. In pratica, solo a partire dagli anni trenta, quando la registrazione comincia ad affiancare l’incisione discografica, la documentazione diventa meno casuale e meno frammentaria, il che ci permette oggi di affrontare veramente la storia dell’interpretazione. È d’altra parte evidente, però, che gli interpreti attivi nei primi anni del Novecento, gli interpreti dei quali, sia pur in misura del tutto insufficiente, possiamo aver conoscenza non solo per sentito dire ma de auditu, non cambiarono di botto il loro modo di porsi di fronte ai compositori del passato quando nacque il disco. Il disco ci fa oggi ascoltare grandi artisti che avevano conosciuto i grandi artisti delle generazioni precedenti e che non ne avevano affatto respinto la lezione. Liszt, Clara Schumann, Anton Rubinstein, Hans von Bülow, esclusi dalla storia a causa degli incolpevoli ritardi della tecnologia, vi rientrano così come ombre, come ombre che possono e devono essere interrogate e che, invece di rispondere con il suono, rispondono con vari altri mezzi, muti sempre ma non privi di eloquenza. Ecco allora che alla storia si affianca la preistoria, la preistoria testimoniata da teorie, saggi, metodi, revisioni di testi classici, cronache concertistiche, lettere... E l’indagine sulla preistoria è in grado di risalire fino a Muzio Clementi, il “padre del pianoforte” che è anche il “padre dell’interpretazione pianistica”. Siccome, poi, sia la preistoria che la storia non possono esistere senza la critica, e siccome la critica dell’interpretazione non è una scienza esatta ma un metodo di lavoro, non esente da presupposti culturali e, in senso lato, ideologici, l’Autore premette all’indagine storica una parte teorica con la quale intende semplicemente chiarire le ragioni del suo operato, senza affrontare lo studio sistematico delle varie teorie. La conclusione tocca temi di attualità che non è oggi ancora possibile discutere come fatti storici, ma che stanno agitando il campo dell’interpretazione, soggetto anch’esso, come tutte le esperienze artistiche e culturali, ad evoluzione e quindi alla riproposta sempre nuova di problemi antichi.